June 16, 2012
Fanny Sanín
Frederico Seve
By John Angeline
Tradicionalmente, el establishment del arte ha tendido a favorecer el panorama completo: obras de gran formato sobre los más íntimamente de tamaño, y en la que cuelga el arte, la pintura en los tiempos de lona obras sobre papel casi en cualquier momento.
Sin embargo, como la mayoría de los historiadores del arte y los amantes del saber, para entender realmente un artista con un sentido de intimidad, uno debe mirar a los dibujos y obras sobre papel.
Esta reciente exposición de la obra de Fanny Sanín se establece que tipo de conocimiento.
La carrera de Sanín Colombia, nacido en el se encuentra en su quinta década.
Ella ha tenido más de 40 exposiciones individuales y participado en más de 300 exposiciones colectivas en todo el mundo, y su arte se encuentra en las colecciones permanentes de numerosos museos e instituciones.
Ella ha vivido y trabajado en la ciudad de Nueva York desde la década de 1970.
Pero de alguna manera su arte ha mantenido una presencia un poco difícil de alcanzar durante la mayor parte de este tiempo.
Así, esta exposición satisface en muchos niveles: permite que el espectador no familiar la oportunidad de ponerse al día con la estética, los temas principales y las trayectorias que han abarcado la carrera de Sanín mientras que proporciona al visitante más familiar una visión más profunda en el proceso de trabajo del artista.
Introducción de la atención de la galería es inmediatamente lanzado a la oscura y poderosa Acrílico No. 2, 2011, que es con mucho el mayor trabajo en la exposición y el único "terminado" pintura ejecutada sobre lienzo.
El resto de la exposición se compone de alrededor de 100 dibujos y estudios sobre el papel, a partir de la década de 1960 hasta el presente.
A pesar de una perfección fresco a cada composición que sugiere la realización de una sola visión, uno aprende lo que es un Sanín artista considerado y estudiado es la siguiente: hasta la fecha, ninguna pintura a gran escala de Sanín se ha conseguido sin varios estudios preliminares sobre el papel, por lo general no menos
de cuatro (el N º 2 Acrílico grande que se incluye en el programa fue el resultado de once estudios de este tipo).
Si bien uno podría pensar Sanín como abstraccionista geométrica de bordes definidos, este espectáculo pone de manifiesto una evolución desde un estilo más fluido del expresionismo de los motivos complejos pero gravemente simétricas favorecidas más adelante.
Aunque aún en las primeras acuarelas de 1960, que son las más fluidas y expresionista, anclajes Sanín la gestualidad con formas más sólidas, muy similar a las obras de Hans Hoffmann.
Al igual que Matisse, la calidad del acabado sin esfuerzo natural es desmentida por toda la planificación y los cambios que vinieron antes, y como Barnett Newman el resultado final es una obra poderosa saturada audaz en su aparente simplicidad y, sin embargo cualquier cosa menos simple.
También se piensa en la fusión de la albañilería Inca con la abstracción geométrica europea que se intentó por el Albers como otra fuente de estas exploraciones visuales, como se evidencia en los estudios de Pintura N º 1, 1976.
También se incluyen en la exposición se presentan algunos ejemplos de las series de la composición de Sanín.
Esta serie sirve como una mediación entre los dibujos y los lienzos más grandes y está compuesta por obras que son acrílico sobre papel ejecutado en una escala que es más grande que los dibujos y aún más íntimas que las pinturas sobre lienzo.
A pesar de ser también obras sobre papel las piezas de composición tienen estudios preliminares también.
Desde 1974 Sanín pasó de geometrías simples a la contratación de estricta simetría de su práctica visual.
Según el artista esta adhesión a la simetría proporciona una sensación de orden, el equilibrio y la paz, los elementos que de otra manera en gran medida ausentes de su vida y por extensión el mundo en general.
Y aunque el artista ha renunciado a lecturas más espirituales de su trabajo en el pasado, es evidente que un componente espiritual en muchas de estas piezas, sobre todo cuando se piensa en ellos en relación con las geometrías de los incas, tonalisms espirituales de Ad Reinhardt, los
la evocación de las vidrieras, o incluso en la tarde funciona el empleo de formas cruzadas.
El espacio íntimo de la galería sirve esto funciona bien.
Salón de estilo Hung, se las arreglan para rodear y abrumar al espectador a pesar de su menor escala y apariencia en ocasiones incompleta.
Este grupo que cuelga también hace que las comparaciones más fáciles, ya sean de trabajo para trabajar en una serie o de período a período.
Muchos de estos "estudios" tienen la fuerza visual y la integridad a presentarse como obras terminadas por su cuenta.
Esta exposición fue una forma visualmente gratificante ver a un "nuevo" artista en una forma de inmersión o para ver un "viejo" artista bajo una nueva luz.