Tony Bechara • Art Nexus, No. 62, 2006

By Claudia Calirman • November 2, 2006

At first glance, Tony Bechara’s paintings appear very chaotic. This apparent chaos however, is the result of a meticulously orchestrated labor of juxtaposition myriad colorful squares. 

From far away, these canvases appear to be randomly composed, but the closer the viewer is, the more it becomes clear that each work is a very organized, abstract, geometric grid. 

The most striking effect in Bechara’s canvases is the infusion of chance elements into the rigidity of the grid. In their disruption of the organized, geometric grid, bringing to it the Dada element of chance, Bechara’s painting are about the madness of order or the order of chaos. As a matter of fact, they recall Jean Arp’s celebrated work from 1916-17, Collage Arranged According to the Laws of Chance, in which Arp-one of the founders of the Dada movement-randomly arranged torn-and-pasted, uneven squares of paper on a gray surface. 

Each of Bechara’s painting is constructed with a predetermined number of colors. They vary from using twenty-five to one hundred different colors in each work, systematically distributed and randomly applied in small quarter-inch dabs of acrylic paint-first laid out with multiple applications of tape-covering the whole canvas in a grid of thousand of squares. The painting process is mechanical, obsessive, time-consuming, and repetitive, yet the final work is a play of light and color that creates an illusion. 

Bechara cannot predict the shapes that the works will eventually take in the viewer’s eyes. He systematically controls the dabs of paint applied to each square of the canvas, but due to the complexity of his technique-through the mixture of numerous colors in the palette-the element of chance always becomes part of the work. According to the Puerto Rican artist and writer Antonio Martorell, “Bechara’s chromatic grid is woven like a spider’s web though not one that becomes a deadly trap, but rather a trampoline of color that pulsates into new forms that appear and vanish as the eye moves throught ths canvas.” 

The works have some of the impact of George Seurat’s pointillist landscapes, though Bechara ‘s canvases reject all narrative elements. His paintings look as if they reach back in time-from Seurat’s scientific approach to color theory to Clement Greenberg’s ideas about the modernist grid. Bechara has been called the “pointillist of the digital era”, creating a painted acrylic surface that suggests a computer-generated image constructed of thousand of pixels. 

Bechara’s “Random Series” at Andre Zarre Gallery in Chelsea emphasized his continuous interest in the optical effects that resonate between the viewer’s eye and mind and play on visual perception. Born in Puerto Rico, Bechara came to Washington, D.C. in the 1970s to study law and international relations at Georgetown University. Since then, he has substituted his interest in law for his immersion in painting, but he still uses his diplomatic skills in his post as the chairman of the board of El Museo del Barrio, in New York, where he has served for the last seven years. 

Simultaneous to his exhibition at Andre Zarre Gallery, Bechara’s “Recent Paintings at Latin Collector Art Center’s newly inaugurated space on 57th Street showed an artist trying to extend his work into new avenues. In his recent paintings, the artist adopted new formats, creating works like Quadryptich 1, which joins four separate canvases,, each one made with forty different shimmering tones of green, yellow, blue, and red, respectively. He also created small paintings in box-like shapes such as 29 Colors in which the sides of the canvases are also painted; each is approximately 12 x12 inches. 

In these late paintings, the artist also moves into more fluid forms. The paintings are more organic, are more loosely organized, and employ biomorphic and organic shapes, so that the forms are less geometric and rigid than in the earlier works. This new series suggest the interplay of figuration and abstraction inside the geometric grid, and they Bechara’s work in a new invectigation that will be interesting to follow.

Tony Bechara at Latin Collector and Andre Zarre • Art in America

By Jonathan Goodman • November 1, 2006

Since the 1970s, Puerto Rican-born, New York-based Tony Bechara has been making paintings in witch he arranges small, square dabs of colors in patterns resembling mosaics or pixilation. 

For all the artist’s reliance on systems-he uses tape to subdivide his paintings into grids and applies the quarter-inch squares one at a time, having chosen a fixed number and combination of hues-he relies as much on intuition as reason, with the individual colors laid down in random order. These vibrant, energetic paintings play tricks with the eye, sometimes unfolding in organic waves that belie the geometric substratum on which they are based. Bechara’s ultimate purpose is to capture a play og light; most of hi canvases shimmer from a distance. Remarkable, too, is the distinct set of rules he imposes. 

Both galleries showed recent work. At Andre Zarre, Bechara’s 48 Colors (2005) was a standout; the acrylic-on-linen painting, 5 feet square, has a surface dense with pointillistic blues, reds, yellows ad greens. The effect is musical, syncopated and jazzy; the entire composition seems to pulse. Because the colors randomly, the painting cannot be discerned as schematically balanced; the order resonating in 48 Colors comes from chance, which liberates the work from his own strictures. In another large painting, Greys (2005), Bechara creates a striking effect with white, black and gray squares. Looking at the work up close, we notice that the edges between colors have little ridges, resulting in a woven effect and giving it a quality of low relief. Bechara’s show at the Latin Collector was equally brilliant and coherent. Red/Red (2006), a 50-inch-square acrylic on canvas, is constructed of red and orange-red squares that form a series of concentric circles around a deep red nucleus. A contrast is set up between the curved rows and the individually colored squares that compose them. In Yellows (2006), four canvases placed next to each other in a horizontal alignment present animated swathes and stripes. Here and elsewhere, Bechara bring a heat and verve to his closely considered methodological decisions.

Tony Bechara • Andre Zarre and Latincollector • ARTnews, october 2006

By REX WEIL • October 2, 2006

In these two shows, veteran painter Tony Bechara offered very different takes on his grid-based abstraction. At Andre Zarre, paintings from 2004 and 2005 emphasized bright color, high contrast, and chance configurations. At latincollector’s new 57th Street gallery, a series of canvases fro; this year demonstrated the artist’s recent shift to more subtle, controlled, and nearly monochromatic compositions. 

In 46 Colors (2006) at Zarre, Bechara superimposed a grid of quarter-inch squares on the tiny blocks with vibrant shades of red, yellow, bleu, and green. Though he selected the colors in advance, he improvised the placement during the painting procees. The strategy recalls Ellsworth Kelly’s 1950s experiments with large color checkerboards, but because of the minuscule size of Bechara’s colored spaces, the effect was less formal and more animated, like the buzzing pixels of a television image. 


Though the new paintings at Latincollector were also built on quarter-inch grids, their colors were more restricted, with each canvas limited to light and dark variations of one basic hue. The exuberant visual noise of the earlier canvases was sacrificed in favor of o more definitive suggestion of pictorial space and overt wavelike patterns. One of these works, Jaune/Jaune (2006), is a disciplined study in yellow. The painting vibrates, the way its predecessors do, but more gently recalling simultaneously Bridget Riley’s optical illusions and the undulating shadow-and-light treatment that articulates robes and drapery in classical oil paintings.

Santiago Picatoste • Diez puntos rojos • ARCO 2006: Las propuestas de nuestros críticos • El Cultural

By PILAR RIBAL • September 2, 2006

Santiago Picatoste (1971) es uno de los artistas más estimulantes de su generación. Irrumpió en el panorama artístico como pintor, pero enseguida descubrió su vocación multidisciplinar, ampliando su trabajo a la escultura, el vídeo y la fotografía. Su interpretación de la pintura como un paisaje abierto en el que se desarrolla, con ambición innovadora, un intenso diálogo con la tradición, es un rasgo que cohesiona todo su trabajo. Sus obras nos producen una fuerte “sensación artística” y representan tanto la continuidad de la vía expresionista como del espíritu apropiacionista e híbrido de la postmodernidad. Actualmente prepara su estancia de varios meses en Nueva York y las nuevas propuestas expositivas que le llevarán a París, Praga o Copenhague.

Ana Patricia Palacios • Conversaciones en trío • El Tiempo


Las perturbadoras escenas cotidianas registradas en la video instalación de Ana Patricia Palacios, las visiones fragmentadas de Luz Helena Caballero y el Video para Pablo, de corte personal a intimista de Muriel Angulo, no tienen nada en común, ni quieren tenerlo, a pesar de que se exhiben simultáneamente en el Museo de Arte Moderno dé Bogotá (MamBo). Es más, las artistas no creen que por el hecho de ser del mismo género deben unificarse. 


Palacios presenta Absurdos paralelos, una nueva propuesta que se proyecta simultáneamente en tres pantallas, se trata de imágenes de tres videos paralelos. 
Esta obra es una introducción a lo que la artista ha de nominado " lo absurdo, una contradicción a lo aparente, a la banalidad de los sujetos que componen la obra y a las relaciones que se establecen entre ellos". 

Los personajes se mueven en atmósferas íntimas o urbanas, dotadas de múltiples detalles absurdos que arman un aura de desconcierto, de un "algo" perturbador. 
Son escenas de diversas situaciones capturadas desde perspectivas distintas, que "coexisten en relaciones conflictivas tanto en lo formal como en o temático, en un mismo espacio escénico", dice Palacios.

Paralelo a esta exposición, la artista realizará conversatorios y llevará a cabo talleres con quienes asistan a la exposición.

Santiago Picatoste • Volver a los brazos de la naturaleza • Oxígeno

By VANESA SÁNCHEZ • June 1, 2006

Sin más arma que la pintura y sin más argumento simbólico que un motivo, la flor, Santiago Picatoste destila sus inquietudes por el alejamiento del hombre contemporáneo de la naturaleza. Ésta, cada vez más ausente en nuestros paisajes urbanos, donde sólo resta en reductos “embotellados”, es recuperada por el pintor en forma de flores urbanas de remoto origen “graffitero”. Toda una reflexión en forma pictórica que podrá visitarse en la muestra Trans-Surrounding hasta el 8 de julio en Senda-España.

Ana Patricia Palacios • Todo está dicho por el cuerpo • El Espectador

Por ANA MARÍA DURÁN OTERO • March 19, 2006

Los gemelos, seres idénticos dobles, una minoría desconocida que causa cierta curiosidad y extrañeza entre la gente, despertó el interés de la artista antioqueña Ana Patricia Palacios hace muchos años, convirtiéndose en tema fundamental para su trabajo a inspiración artística.

La colección de 20 pinturas sobre lienzo, 30 dibujos y 15 fotografías que expone en lagalería Casas Reigner en Bogotá, titulada Absurdos Paralelos intenta, sin embargo, ir más allá del fenómeno presente entre lo doble, centrándose específica mente en sus inquietudes por el individuo: sus miedos, sus experiencias, sus extravagancias, sus anhelos.

"Aunque desde hace mucho tiempo llevo trabajando el tema de la dualidad, esta exposición es testigo de la evolución de mi trabajo hacia las particularidades del individuo dentro de lo cotidiano", comenta la artista.

Por medio de la línea del dibujo, Ana Patricia Palacios trabaja situaciones y movimientos que crean una ambientación dentro de la misma obra, en donde el individuo, a través de sus gestos y posturas, se convierte en el personaje principal dentro de su propia cotidianidad.

"Mi interés radica entonces en la gestualidad del individuo dentro de lo cotidiano y en tratar de demostrar el dramatismo que transmite cualquiera de los personajes a través de su cuerpo. En ninguno de los dibujos o de las pinturas hay una escenografía que lo sitúe en ninguna parte en particular, ya que, para mí, eso deja de ser importante dentro de la obra", afirma Palacios, señalando uno de sus dibujos titulado La espera.


Problemas existenciales como el conformismo y el inconformismo, la felicidad o la tristeza se retratan en cada una de las pinturas y dibujos a través de la nariz roja y redonda del payaso, clown, como símbolo para representar esa situación burlesca y muchas veces absurda de ciertas situaciones del día a día: la eterna espera del enamorado, la ridiculez del romántico o la continua discusión de la pareja.

Absurdos paralelos I es la ridiculización del comportamiento humano dentro de su propia realidad y una reflexión sobre su incapacidad de ser feliz. "Yo no trato el humor en mi obra, simplemente es una burla de no atreverse a romper esas reglas absurdas impuestas porque sí", concluye la artista.

Por ello, no cabe duda de la correspondencia de muchos de los payasos protagonistas de sus trabajos con los visitantes de la galería. Según Ana Patricia Palacios, uno de los dibujos titulado La pareja, donde se muestra una mujer y un hombre sentados en la misma cama pero cada uno volteado por su lado, es uno de los más comentados por los espectadores. "Muchos se ven reflejados con algunos de mis dibujos y se dan cuenta de lo ridículo y de lo cómico de sus acciones".

Ana Patricia Palacios • La levedad del ser • Revista Diners No. 432

Por María Margarita García • March 2, 2006

Cuando los colombianos se iban del país en busca de una "mejor vida" en el exterior, Ana Patricia Palacios dejaba su apartamento, situado en una calle céntrica de París donde había vivido por más de una década, para instalarse en Bogotá, desde donde ha enviado sus trabajos a diferentes lugares del mundo y han surgido obras relacionadas con la identidad y la dualidad. Pero hace dos años resolvió mirar en su entorno, y en especial la vida cotidiana del hombre de hoy, con sus satisfacciones e insatisfacciones, anhelos y pasiones. Como si se tratara de un diario, ha logrado expresar los problemas en los cuales el ser humano se enfrasca todos los días para seguir adelante. 

Sumergida en el universo de lo simple, trasciende la cultura. " En esta serie no sólo he querido mostrar al individuo en su cotidianidad sino plantear el conflicto existencial a interno del hombre en general. Es en realidad un trabajo intuitivo, abordado a través de algunos símbolos como el del clown". De este modo se detiene en la incapacidad del ser humano para ser feliz, en el interés de abarcarlo todo, de seguir las pautas sociales, también en la con vivencia en pareja a incluso en el travesti. "No me interesa entrar en el mundo de los travestis, pero ésta es también una de las manifestaciones del individuo actual". 

Para introducirse a cabalidad en el tema ha manejado cierto grado de ironía, precisamente al utilizar como símbolo la nariz del payaso, que le permite acercarse de una manera crítica a esa batalla diaria que traduce la esencia del ser contemporáneo. En cada uno de sus trazos y pinceladas crea varios planos de lectura donde saltan a la vista algunos conceptos tratados en sus series anteriores como la dualidad, la lucha diaria, y la identidad, que toma tangencialmente al usar el símbolo del clown no sólo como medio para expresar la ironía sino también como signo de las múltiples personalidades del individuo y como indicio de falsedad. "Pretendí expresar todas aquellas cosas repetitivas que nos suceden a 

diario y nos incapacitan para lograr la 'felicidad' (así entrecomillas) anhelada. Además, me interesa trabajar lo grotesco, que deja cierta sensación de incongruencia".  

Para introducirse a cabalidad en el tema ha manejado cierto grado de ironía, precisamente al utilizar como símbolo la nariz del payaso, que le permite acercarse de una manera crítica a esa batalla diaria que traduce la esencia del ser contemporáneo. En cada uno de sus trazos y pinceladas crea varios planos de lectura donde saltan a la vista algunos conceptos tratados en sus series anteriores como la dualidad, la lucha diaria, y la identidad, que toma tangencialmente al usar el símbolo del clown no sólo como medio para expresar la ironía sino también como signo de las múltiples personalidades del individuo y como indicio de falsedad. "Pretendí expresar todas aquellas cosas repetitivas que nos suceden a diario y nos incapacitan para lograr la 'felicidad' (así entre comillas) anhelada. Además, me interesa trabajar lo grotesco, que deja cierta sensación de incongruencia". 

Se trata de obras en las cuales toca los límites del realismo mágico, que expresa esos estados comunes que al observarlos en el lienzo parecen extremos. "Yo no estoy inventando nada, simplemente señalo y a veces me burlo de las situaciones por las cuales pasamos. Así mismo me interesa seguir tratando el problema de la identidad, pero ya no tanto desde la gemelidad, como lo hice hace unos años. Ahora me he introducido en el día a día del ser humano, que al seguir las reglas impuestas por la sociedad, siente un poco coartada su libertad. Todo se convierte en un ciclo, aunque en algunos de los dibujos y pinturas se expresa el rompimiento de esas pautas". 

Ana Patricia Palacios hace un señalamiento a la cultura con temporánea, y se interroga acerca de sus pautas en medio de una sociedad hecha para la competencia. Y lo hace con una obra figurativa, usando pigmentos, en su mayoría naturales, en las pinturas y en el dibujo, "un medio espontáneo al cual me interesa imprimirle su merecido valor". 

Los dibujos, de trazos definidos, siguen el vigor de la línea y del gesto, pero en ocasiones deja en ellos el carácter de registro y de nota diaria en que se advierte la mancha de alguna gota de pigmento sobre el papel. En otras oportunidades establece un puente entre lo espontáneo y lo deliberado, como el hecho de dejar a la vista algunas cuadrículas asociadas con la gestualidad y al mismo tiempo indicadoras del punto central con el cual se obtiene una composición equilibrada. Son dibujos en los que se percibe, como fondo, una base de masilla acrílica que permite ligar el dibujo y la pintura. 

En sus pinturas, limpias y minimalistas aunque son cuadros trabajados, deja ver su interés en la monocromía, mientras que sus dibujos han entrado en el detalle y en el contraste cromático. Y sus fotografías digitales siguen el ritmo urbano. 

Las fotografías, usadas como signo de ese ciclo cotidiano, son oscuras, casi en blanco y negro. De este modo la tonalidad se convierte en símbolo del silencio y de la soledad de los seres citadinos. Aquí presenta "el personaje clown en el me dio urbano, pero apartado y solitario. En realidad es una obra silenciosa y un poco difusa. No me interesa la foto clara y bien acabada; responde un poco a esa nebulosa que cubre a los seres humanos para alcanzar lo ideal". Es un trabajo íntimo en el que se confunden las luces de las calles, los espacios de los grandes edificios en los cuales el personaje es identificable. Sus trabajos recientes expresan su evolución, su proceso de simplificación en las pinceladas y en la inclinación por ahondar en aquellas ideas decantadas a to largo de casi dos décadas de vida profesional. "He pasado del objeto al individuo". 

Esta artista disciplinada y atenta a expresar en sus obras al hombre y la mujer, a poner sobre el tapete las contradicciones del vivir diario, a burlarse de algunos acontecimientos, no ha cesado de trabajar para cumplir con sus compromisos de este año, pues además de la muestra en la Galería Casas Riegner, enviará algunas de sus obras a la Bienal de Tijuana, México. También ha preparado un video para exhibirlo en mayo en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En agosto el Museo de Antioquia, de Medellín, realizará una retrospectiva de sus úl timos quince años de actividad profesional. Y en noviembre volverá a exponer individualmente en el Latin Collector de Nueva York. 

Así Ana Patricia Palacios con sus trazos ágiles, sin perder la espontaneidad del dibujo y con la rapidez de sus pinceladas sobre el lienzo, ha manejado el espacio, ha establecido el contraste y ha aprovechado el accidente técnico para profundizar en el ser humano insertado en la cultura contemporánea occidental.