Colombia

Fanny Sanín, “La struttura cromatica di Fanny Sanín” - Istituto Italo-Latino Americano, Roma

Tre decenni di evoluzione dell'artista (Bogotà 1938) nel campo dell’astrazione geometrica
I tre decenni rappresentati in questa mostra attestano l’evoluzione di Fanny Sanín (Bogotà 1938) nel campo dell’astrazione geometrica, a cui l’artista si è avvicinata con una coerenza, con un lavoro sistematico e persistente simile a quello di un matematico impegnato nel trovare soluzioni alle più complicate equazioni. 
E, come succede in questi processi, la natura elusiva di molte espressioni pare provocare una nuova riformulazione della loro validità. L’artista coniuga le forme geometriche con le emozioni del colore, dando vita a creazioni che riflettono l’imago, fermata nella dimensione spazio-temporale, di un’idea preceduta da studi che la perseguono in un continuo divenire. E questo divenire è l’essenza primigenia dell’opera della Sanín, che ne determina la sua grandezza, offrendo un’altra significativa immagine della ricchezza artistica e costituendo uno dei percorsi più rilevanti dell’astrattismo in Colombia.

La Sanín non è solamente architetto, ma è anche ingegnere del colore. La pittrice ricerca l’articolazione dei valori e dei toni, analizzando le cariche e pressioni create da infinite combinazioni, positive e negative, nel campo fisico ed in quello virtuale, nei quali il colore esiste per sé, indipendente da ogni altro elemento. Una tale razionalità può apparire fredda e calcolata. 
Tuttavia la sensibilità determina le trasformazioni ed il corso emozionale resi dalle entità cromatiche, come si può vedere chiaramente nella serie di studi preparatori per ogni dipinto. Tali preoccupazioni possono sembrare futili, però, come pittrice, la responsabilità della Sanín è di scoprire l’invisibile.                                                                                                                                 Lo fa con successo, alle volte reinterpretando il passato e reinventando il nuovo, come scrive nel catalogo il curatore Félix Angel, Direttore del Centro Culturale della Banca Interamericana per lo Sviluppo BID. In Occasione dell’inaugurazione della mostra il curatore Félix Angel illustrerà l’opera ed il percorso artistico dell’artista Fanny Sanín.
 

Roma sucumbe al color abstracto de la colombiana Fanny Sanín", Terra Colombia/EFE

La pintora colombiana Fanny Sanín inauguró en el Instituto Ítalo-Latino Americano de Roma una retrospectiva de su obra abstracta, centrada en el color, para que el espectador sucumba al "contenido espiritual" de sus cuadros. "Fanny Sanín. La estructura cromática. 1974-2007" es el título de la exposición con la que "deleitarse en el color, en la composición, en la armonía y en el contenido que hay detrás del cuadro", explicó la artista a Efe. 

Sanín definió su obra como "muy meditativa, que da un poco de paz", donde el color es "muy importante", pues le sirve para expresarse en lo que no puede "traducir en palabras". Las líneas geométricas y la fuerza cromática caracterizan los cuadros de la exposición que, para su comisario, Félix Ángel, demuestran que Sanín es una "ingeniera del color" y la artista "viva más madura que tiene en este momento Colombia, a nivel internacional". 

Según Ángel, la colombiana maneja el color "no tanto en un aspecto formal sino estructural, porque la imagen resultante depende de las cargas que, como en una obra de ingeniería, lleva el color para definir" sus cuadros. El comisario también explicó que la carrera de Sanín "responde a una tradición muy particular del arte colombiano", pues éste ha sido siempre "muy figurativo y expresionista", de ahí que la obra de la colombiana sea "una faceta muy especial de la producción artística" del país latinoamericano. El embajador de Colombia en Italia, Sabas Pretelt de la Vega, aseguró que llevar la obra de Sanín a Italia forma parte del "empeño en mostrar las cosas buenas" de su país. Recordó que aunque en Italia se conozcan cantantes colombianos como Shakira o Juanes y pintores como Fernando Botero, también "hay una legión de pintores y artistas estupendos como Sanín".
 

The Chromatic Structures of Fanny Sanin, 1974-2007

“For the city of Rome, accustomed to great artists, it will be a privilege to receive the Colombian master painter Fanny Sanín at the Gallery of the Instituto Italo-Latino Americano. After a few minutes of attentively examining the paintings, trying to decipher the equation of its narrative, I decide to let myself be taken in by the rhythm of its multicolor geometry. Then, Fanny’s ouvre begins to transform itself as a catalyst between the critical thought and the meditative experience of the abstract language, which allows and looks for the interior relaxation that without violence cleanses the mental murmur and reactive thought, and permits us to reach our inner silence. Is as if the mind ceased its “judicious” action letting it be rocked in its entirety in the world of the senses where colors grow, intensify and surround us. 
It is a game of the mind which needs to be freed from the nervous attachment to control and the common linguistic codification. Only then, the geometry of the work appears accessible and sweet. All that is needed is to let yourself be taken in.” Patricia Rivadeneira, Cultural Secretary, Instituto Italo-Latino Americano, Exhibition catalogue, Introduction

“Fanny Sanín is probably the most understated international painter of stature that Colombia has produced in the last thirty years. The three decades represented in this exhibition attest to her evolution within the realm of geometric abstraction, which she has approached with the same coherence, the same systematic and persistent work, that a mathematician would demonstrate in trying to find the solution to the most complicated of equations. And as happens in such a process, the elusive nature of multiple expressions appears to provoke the reformulation of its validity over and over again.” Félix Ángel, Exhibition Curator, Catalogue essay: The Chromatic Structures of Fanny Sanin, 1974-2007.

Fanny Sanín • Around the foreign cultural academies and institutes in Rome

Fanny Sanín, “La struttura cromatica di Fanny Sanín” - Istituto Italo-Latino Americano, Roma

          Study for Painting 06 - 04 - 1976

          Study for Painting 06 - 04 - 1976

Colombian geometric art, Spanish-language films and a Dutch-language church tour are among the highlights this month. 

The Italian Latin-American Institute is presenting an exhibition that spans three decades of work by the Colombian artist Fanny Sanín. 
Bogotà-born Sanín uses abstract geometric forms, combining them with colours that give them an emotional force. According to curator Félix Angel, Sanín takes an almost systematic and mathematical approach to her work, preparing a series of preliminary sketches for each painting and testing the positive and negative effects of each colour combination. The institute’s cultural secretary, Patricia Rivadeneira, explains in the exhibition catalogue how Sanín’s colours “grow, intensify and surround” when the viewer surrenders to their rhythm. “Only then, the geometry of the work appears accessible and sweet. All you need to do is let yourself be taken in.” 
Italian Latin-American Institute, Piazza Cairoli 3, tel. 06684921. The exhibition is at the institute’s gallery at Vicolo dei Catinari 3, tel. 0668492274. 11.00-19.00. Sun closed.

Bulletins From a Bustling ‘Undiscovered’ Land • The New York Times


By HOLLAND COTTER    

It’s a little embarrassing to watch the New York art world “discovering” Latin American modernist art year after year, as if forever only half-aware of its existence. And it’s depressing to know that the Museum of Modern Art, which could have been collecting widely in the field for decades, had to wait for a windfall in the form of a gift collection to deal with this material in a serious and committed way. We are, after all, talking about the art of a continent and a century, not just a fad from yesterday. 

No surprise then, given the circumstances that the city is only now getting its first fair devoted to Latin American art. And no surprise to anyone familiar with this art that the fair, called Pinta and installed at the Metropolitan Pavilion on West 18th Street through tomorrow, looks as good as it does.                                                                                                                                                     With just 35 galleries, Pinta is a big event in a small package. The layout, by the architect Warren A. James, is stylish and airy. In general a less-is-more sensibility prevails. For once, a fair looks like an art exhibition, not a job-lot display. And when a booth is crowded, the pieces can be blamed, as is the case at Appetite, a gallery with branches in Buenos Aires and Brooklyn that shows young artists working in an accumulative mode. 

The thread that runs through Pinta, and partly accounts for its stripped-down appearance, is modernist painting and sculpture from the 1940s through the ’70s. The first thing you see is a group of open-work steel and glass sculptures by the Brazilian artist Waltércio Caldas presented by Gabinete de Arte Raquel Arnaud from São Paulo. “Transparent” is the word Mr. Caldas applies to this work, and it is apt. 

Durban Segnini Gallery of Miami has abstract pieces, including a kind of tabletop tower with a curling window from 1967 by Eduardo Ramírez Villamizar, a mini-Frank Gehry before Frank Gehry came into his own. At Leon Tovar there’s a subtly kinetic piece by Jesús Rafael Soto (1923-2005); the slightest breeze will set its curtain of dangling rods into optically shimmering motion. 

A 1952 sculpture in clear plastic by María Freire at Sammer Gallery Miami is exemplary of the soaring utopianism of a heady era. And something like this spirit survives into the present in paintings by Fanny Sanin and Tony Bechara at Latin Collector, of recent date but in classic abstract geometric style. 

At the same time “classic” is defined many ways in Latin American art: by a spidery 1962 León Ferrari ink drawing at GC Estudio de Arte; by figurative paintings by Wifredo Lam at Treart; by a booth full of Xul Solar watercolors at Rubbers International Gallery; and by the marvelous etchings by Gego (Gertrude Goldschmidt, 1912-94) at Cecilia de Torres, a gallery that, along with Mary-Anne Martin Fine Art (not in the show), has long been one of the city’s primary showcases for Latin American material, old and new. 

Pinta has its share of new art too, with up-to-the-minute work by Alexandre Arrechea, Eugenia Calvo, Arturo Duclos, Darío Escobar, Nicolas Guagnini, Marco Maggi and Damián Ontiveros Ramírez scattered here and there. (Don’t miss the witty and moving 2007 video by Liliana Porter at Hosfelt Gallery.) 
Notably sparse, however, is overt religious or political imagery of a kind that still defines contemporary Latin American art for many people. And it is hard not to see a direct correlation between the playing down of such content and the current spurt of interest in Latin American work by the New York art world mainstream. 

In any case all such balances could shift next year when, if things go as planned, the fair will increase the size of its exhibition space and, presumably, the number of participants. If strength really is in numbers, maybe New York, a Latin American city, will finally see what it has been missing all this time. 
But why wait a year? Check out Pinta, and start to get smart now. 
Pinta, the Contemporary Latin American Art Fair continues through tomorrow at the Metropolitan Pavilion, 125 West 18th Street, Chelsea; pinta-art.com.

Ana Patricia Palacios • Conversaciones en trío • El Tiempo

Por MARÍA CRISTINA PIGNALOSA • JUNE 9, 2006

Las perturbadoras escenas cotidianas registradas en la video instalación de Ana Patricia Palacios, las visiones fragmentadas de Luz Helena Caballero y el Video para Pablo, de corte personal a intimista de Muriel Angulo, no tienen nada en común, ni quieren tenerlo, a pesar de que se exhiben simultáneamente en el Museo de Arte Moderno dé Bogotá (MamBo). Es más, las artistas no creen que por el hecho de ser del mismo género deben unificarse. 

ABSURDOS PARALELOS

Palacios presenta Absurdos paralelos, una nueva propuesta que se proyecta simultáneamente en tres pantallas, se trata de imágenes de tres videos paralelos. 
Esta obra es una introducción a lo que la artista ha de nominado " lo absurdo, una contradicción a lo aparente, a la banalidad de los sujetos que componen la obra y a las relaciones que se establecen entre ellos". 

Los personajes se mueven en atmósferas íntimas o urbanas, dotadas de múltiples detalles absurdos que arman un aura de desconcierto, de un "algo" perturbador. 
Son escenas de diversas situaciones capturadas desde perspectivas distintas, que "coexisten en relaciones conflictivas tanto en lo formal como en o temático, en un mismo espacio escénico", dice Palacios.

Paralelo a esta exposición, la artista realizará conversatorios y llevará a cabo talleres con quienes asistan a la exposición.

Ana Patricia Palacios • Todo está dicho por el cuerpo • El Espectador

Por ANA MARÍA DURÁN OTERO • March 19, 2006

Los gemelos, seres idénticos dobles, una minoría desconocida que causa cierta curiosidad y extrañeza entre la gente, despertó el interés de la artista antioqueña Ana Patricia Palacios hace muchos años, convirtiéndose en tema fundamental para su trabajo a inspiración artística.

La colección de 20 pinturas sobre lienzo, 30 dibujos y 15 fotografías que expone en lagalería Casas Reigner en Bogotá, titulada Absurdos Paralelos intenta, sin embargo, ir más allá del fenómeno presente entre lo doble, centrándose específica mente en sus inquietudes por el individuo: sus miedos, sus experiencias, sus extravagancias, sus anhelos.

"Aunque desde hace mucho tiempo llevo trabajando el tema de la dualidad, esta exposición es testigo de la evolución de mi trabajo hacia las particularidades del individuo dentro de lo cotidiano", comenta la artista.

Por medio de la línea del dibujo, Ana Patricia Palacios trabaja situaciones y movimientos que crean una ambientación dentro de la misma obra, en donde el individuo, a través de sus gestos y posturas, se convierte en el personaje principal dentro de su propia cotidianidad.

"Mi interés radica entonces en la gestualidad del individuo dentro de lo cotidiano y en tratar de demostrar el dramatismo que transmite cualquiera de los personajes a través de su cuerpo. En ninguno de los dibujos o de las pinturas hay una escenografía que lo sitúe en ninguna parte en particular, ya que, para mí, eso deja de ser importante dentro de la obra", afirma Palacios, señalando uno de sus dibujos titulado La espera.

TODOS SOMOS PAYASOS 

Problemas existenciales como el conformismo y el inconformismo, la felicidad o la tristeza se retratan en cada una de las pinturas y dibujos a través de la nariz roja y redonda del payaso, clown, como símbolo para representar esa situación burlesca y muchas veces absurda de ciertas situaciones del día a día: la eterna espera del enamorado, la ridiculez del romántico o la continua discusión de la pareja.

Absurdos paralelos I es la ridiculización del comportamiento humano dentro de su propia realidad y una reflexión sobre su incapacidad de ser feliz. "Yo no trato el humor en mi obra, simplemente es una burla de no atreverse a romper esas reglas absurdas impuestas porque sí", concluye la artista.

Por ello, no cabe duda de la correspondencia de muchos de los payasos protagonistas de sus trabajos con los visitantes de la galería. Según Ana Patricia Palacios, uno de los dibujos titulado La pareja, donde se muestra una mujer y un hombre sentados en la misma cama pero cada uno volteado por su lado, es uno de los más comentados por los espectadores. "Muchos se ven reflejados con algunos de mis dibujos y se dan cuenta de lo ridículo y de lo cómico de sus acciones".

Ana Patricia Palacios • La levedad del ser • Revista Diners No. 432

Por María Margarita García • March 2, 2006

Cuando los colombianos se iban del país en busca de una "mejor vida" en el exterior, Ana Patricia Palacios dejaba su apartamento, situado en una calle céntrica de París donde había vivido por más de una década, para instalarse en Bogotá, desde donde ha enviado sus trabajos a diferentes lugares del mundo y han surgido obras relacionadas con la identidad y la dualidad. Pero hace dos años resolvió mirar en su entorno, y en especial la vida cotidiana del hombre de hoy, con sus satisfacciones e insatisfacciones, anhelos y pasiones. Como si se tratara de un diario, ha logrado expresar los problemas en los cuales el ser humano se enfrasca todos los días para seguir adelante. 

Sumergida en el universo de lo simple, trasciende la cultura. " En esta serie no sólo he querido mostrar al individuo en su cotidianidad sino plantear el conflicto existencial a interno del hombre en general. Es en realidad un trabajo intuitivo, abordado a través de algunos símbolos como el del clown". De este modo se detiene en la incapacidad del ser humano para ser feliz, en el interés de abarcarlo todo, de seguir las pautas sociales, también en la con vivencia en pareja a incluso en el travesti. "No me interesa entrar en el mundo de los travestis, pero ésta es también una de las manifestaciones del individuo actual". 

Para introducirse a cabalidad en el tema ha manejado cierto grado de ironía, precisamente al utilizar como símbolo la nariz del payaso, que le permite acercarse de una manera crítica a esa batalla diaria que traduce la esencia del ser contemporáneo. En cada uno de sus trazos y pinceladas crea varios planos de lectura donde saltan a la vista algunos conceptos tratados en sus series anteriores como la dualidad, la lucha diaria, y la identidad, que toma tangencialmente al usar el símbolo del clown no sólo como medio para expresar la ironía sino también como signo de las múltiples personalidades del individuo y como indicio de falsedad. "Pretendí expresar todas aquellas cosas repetitivas que nos suceden a 

diario y nos incapacitan para lograr la 'felicidad' (así entrecomillas) anhelada. Además, me interesa trabajar lo grotesco, que deja cierta sensación de incongruencia".  

Para introducirse a cabalidad en el tema ha manejado cierto grado de ironía, precisamente al utilizar como símbolo la nariz del payaso, que le permite acercarse de una manera crítica a esa batalla diaria que traduce la esencia del ser contemporáneo. En cada uno de sus trazos y pinceladas crea varios planos de lectura donde saltan a la vista algunos conceptos tratados en sus series anteriores como la dualidad, la lucha diaria, y la identidad, que toma tangencialmente al usar el símbolo del clown no sólo como medio para expresar la ironía sino también como signo de las múltiples personalidades del individuo y como indicio de falsedad. "Pretendí expresar todas aquellas cosas repetitivas que nos suceden a diario y nos incapacitan para lograr la 'felicidad' (así entre comillas) anhelada. Además, me interesa trabajar lo grotesco, que deja cierta sensación de incongruencia". 

Se trata de obras en las cuales toca los límites del realismo mágico, que expresa esos estados comunes que al observarlos en el lienzo parecen extremos. "Yo no estoy inventando nada, simplemente señalo y a veces me burlo de las situaciones por las cuales pasamos. Así mismo me interesa seguir tratando el problema de la identidad, pero ya no tanto desde la gemelidad, como lo hice hace unos años. Ahora me he introducido en el día a día del ser humano, que al seguir las reglas impuestas por la sociedad, siente un poco coartada su libertad. Todo se convierte en un ciclo, aunque en algunos de los dibujos y pinturas se expresa el rompimiento de esas pautas". 

Ana Patricia Palacios hace un señalamiento a la cultura con temporánea, y se interroga acerca de sus pautas en medio de una sociedad hecha para la competencia. Y lo hace con una obra figurativa, usando pigmentos, en su mayoría naturales, en las pinturas y en el dibujo, "un medio espontáneo al cual me interesa imprimirle su merecido valor". 

Los dibujos, de trazos definidos, siguen el vigor de la línea y del gesto, pero en ocasiones deja en ellos el carácter de registro y de nota diaria en que se advierte la mancha de alguna gota de pigmento sobre el papel. En otras oportunidades establece un puente entre lo espontáneo y lo deliberado, como el hecho de dejar a la vista algunas cuadrículas asociadas con la gestualidad y al mismo tiempo indicadoras del punto central con el cual se obtiene una composición equilibrada. Son dibujos en los que se percibe, como fondo, una base de masilla acrílica que permite ligar el dibujo y la pintura. 

En sus pinturas, limpias y minimalistas aunque son cuadros trabajados, deja ver su interés en la monocromía, mientras que sus dibujos han entrado en el detalle y en el contraste cromático. Y sus fotografías digitales siguen el ritmo urbano. 

Las fotografías, usadas como signo de ese ciclo cotidiano, son oscuras, casi en blanco y negro. De este modo la tonalidad se convierte en símbolo del silencio y de la soledad de los seres citadinos. Aquí presenta "el personaje clown en el me dio urbano, pero apartado y solitario. En realidad es una obra silenciosa y un poco difusa. No me interesa la foto clara y bien acabada; responde un poco a esa nebulosa que cubre a los seres humanos para alcanzar lo ideal". Es un trabajo íntimo en el que se confunden las luces de las calles, los espacios de los grandes edificios en los cuales el personaje es identificable. Sus trabajos recientes expresan su evolución, su proceso de simplificación en las pinceladas y en la inclinación por ahondar en aquellas ideas decantadas a to largo de casi dos décadas de vida profesional. "He pasado del objeto al individuo". 

Esta artista disciplinada y atenta a expresar en sus obras al hombre y la mujer, a poner sobre el tapete las contradicciones del vivir diario, a burlarse de algunos acontecimientos, no ha cesado de trabajar para cumplir con sus compromisos de este año, pues además de la muestra en la Galería Casas Riegner, enviará algunas de sus obras a la Bienal de Tijuana, México. También ha preparado un video para exhibirlo en mayo en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En agosto el Museo de Antioquia, de Medellín, realizará una retrospectiva de sus úl timos quince años de actividad profesional. Y en noviembre volverá a exponer individualmente en el Latin Collector de Nueva York. 

Así Ana Patricia Palacios con sus trazos ágiles, sin perder la espontaneidad del dibujo y con la rapidez de sus pinceladas sobre el lienzo, ha manejado el espacio, ha establecido el contraste y ha aprovechado el accidente técnico para profundizar en el ser humano insertado en la cultura contemporánea occidental.

Ana Patricia Palacios • Vida Doble - Revista Caras

ANA PATRICIA PALACIOS • February 3

Para mí la pintura es un medio de expresión, a través del cual puedo comunicar diferentes problemáticas al espectador". En su más reciente exhibición, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía ímber, titulada Dualidades, Ana Patricia explora el fenómeno de los seres dobles en diferentes series de pintura. Esta temática comenzó a desarrollarla hace aproximadamente seis años cuando, después de trabajar series de objetos, naturalezas muertas y paisajes, decidió concentrarse en la figura humana. El concepto de los seres dobles, o la dualidad, surgió a raíz de su propia condición de gemela y cómo el hecho de que exista otro ser idéntico a uno puede cambiar la manera de relacionarse con el mundo y con los demás.

Inicialmente Ana Patricia consideró que este tema era demasiado personal así que empezó con dibujos muy tímidos, que se convirtieron en punto de partida para una extensa obra llena de simbología con un mensaje profundo y contundente. Ella encontró un elemento catártico en el arte y a través de sus pinturas halló la manera de expresar esta problemática existencial que hasta ese momento no había podido exteriorizar. En su imaginario fueron apareciendo las niñas idénticas, los vestidos rojos que se repiten, muñecos iguales y diversas memorias de la infancia directamente relacionadas con el tema de los mellizos.

La técnica y la estética se convirtieron en un medio importante para expresar y hacer entender a la gente ese mundo tan particular de los seres dobles y las dificultades que con lleva. La soledad y el conflicto constante por mantener una identidad propia ante el mundo. "Represento lo que significa la presencia de dos personas iguales en este mundo. He tratado de crear un impacto fuerte y transmitirlo a través de una estética austera".                                                                 Marcela Ramírez, quien ha estudiado y seguido la trayectoria de Ana Patricia, dice: "En este proceso creativo, cuerpo, tiempo, espacio y pintura se hacen mínimos y elementales. La maestría en su oficio permite a la artista lograr un máximo de expresividad con una concentración y depuración de recursos. Su pintura puede volverse piel, ese límite abierto, esa última capa que recubre el amasijo de venas, carne y huesos que somos. Piel y pintura son materialidades que en su obra coinciden: huellas pastosas del material húmedo sobre la tela, texturas, empastes y color lo sugieren con vigor".

En las series de dualidades casi siempre encontramos a dos figuras idénticas enfrentándonos, enfrentándose o dándonos la espalda, por lo general sobre un fondo blanco, muy limpio y escueto. Las figuras (cuerpos femeninos) están en el centro y en su entorno no hay referentes geográficos o de espacio, sólo vacío, lo que transmite esa dificultad de relacionarse, esa soledad que acompaña a los gemelos, dos seres idénticos que deben luchar por ser únicos ante el mundo. Esta falta de referentes también hace una clara alusión a la universalidad de este fenómeno y al hecho de que son una minoría por más que haya millones de gemelos en el mundo. Y así como con sus boxeadoras Ana Patricia explora el tema de la 'lucha' por la individualidad, el tema de las minorías lo desarrolla con las series de las Geishas, "que son una minoría que también sufre del problema de identidad", y de los Personajes, "inspirados en la tipología africana pero cuyo origen real son las desplazadas por la violencia".

En sus cuadros el color, o la falta de él, se convierte en símbolo. "Utilizo mucho el rojo, que es representativo de la sangre. En este caso cambió los códigos y la sangre se refiere a la hermandad, a la consanguinidad, es el ente transmisor que une. No es un símbolo de violencia". El dibujo es muy importante en la obra de Ana Patricia y éste, según ella, no requiere mucho color, por eso la paleta cromática es limitada y los tonos que utiliza son un medio para transmitir un concepto específico.

Con miras a profundizar su investigación el año pasado comenzó a incursionar en otros medios, como el video y la fotografía, en los que los sujetos de la obra son ella y su hermana. En este caso Ana Patricia es la protagonista y pierde el anonimato inherente en el dibujo y la pintura. El desarrollo del mismo tema con diferentes medios le ha permitido ampliar el espectro de su discurso y permear nuevas esferas dentro del mundo del arte. "Yo puedo seguir trabajando esta temática de manera indefinida porque es una obra que me llega profundamente"

 

Ana Patricia Palacios "Local y Dualidades, en Caracas", El Tiempo, Cultura

By MARIA CRISTINA PIGNALOSA • October 25, 2015 • EL TIEMPO

Dos extremos del arte actual colombiano en el Museo de arte Contemporáneo de Caracas, Maccsi. 

El artista caleño Danilo Dueñas utiliza la palabra Local y las siglas bogccs, que se usan en el transporte aéreo, para titular su trabajo.                                                                                            La antioqueña Ana Patricia Palacios llama Dualidades a la serie de gemelas, pares y figuras dobles que ella pinta. Ambos representan a Colombia en una muestra, en el Museo de Arte Contemporáneo Sofia Imber de Caracas, que refleja el arte colombiano actual. Así mismo compiten por el Premio Luis Caballero, en Bogotá. 

Palacios Dobles

La muestra de Ana Patricia Palacios es una retrospectiva de los últimos seis años. Aborda la individualidad, la identidad de los seres dobles, los gemelos, los clonados, los mellizos. Son 19 obras recientes, seleccionadas por el curador Jaime Cerón, compuestas por figuras ambiguas como geishas o féminas deportivas. 

Es parte de su búsqueda permanente, de ser única en el mundo lo que impulsa su trabajo creativo. La muestra incluye obras de distintos momentos de su vida. 
Son sutiles figuras femeninas dibujadas par parejas, mezcla de soledad y el doble, la identidad y la dualidad. Sus reflexiones incluyen además un cambio en la utilización del video y la instalación de objetos, como en la Galería Santa Fe del Planetario distrital para optar por el Premio Luis Caballero. 

Es la búsqueda personal de la artista por la condición femenina, la realidad cotidiana y el cuerpo como el más doble de los dobles.

ANA PATRICIA PALACIOS • "Cuestión de identidad'', Diners No. 401

BY MARÍA MARGARITA GARCÍA • Revista Diners • August 2003

En un mundo globalizado como el actual, la diferencia marca la pauta. Ana Patricia Palacios, a partir de su propia experiencia, ha ahondado en el tema de la dualidad y de la identidad. Desde que era niña miraba a su hermana gemela como si estuviera ante un espejo. Ahora permite al espectador descubrir el universo de Lewis Carroll, que crea una nueva realidad y devuelve la mirada transformada para dar espacio al análisis. Para ello se apropió de medios como el vídeo y la fotografia: "Es una obra en la que estoy presente. Aunque en mis trabajos anteriores había sido protagonista, nunca lo había hecho de una forma tan evidente".

A partir de su autobiografía llega a la esencia. Dos grandes pantallas de vídeo se refieren a la edad adulta de la gemelidad, que aborda mediante la sobreposición de imágenes en movimiento hasta conseguir la similitud. "Sigo cuestionando el problema de identidad donde saltan a la vista la exactitud y el parecido". Allí se advierten primeros planos en los que los ojos, el pelo y la piel encajan simétrica mente como si se tratara de un prototipo. Se aprecia la transparencia de la piel hasta percibir el correr de la sangre como hilo conductor de los seres idénticos. Entre tanto, las fotografiar captan objetos dobles que apuntan a la niñez de los seres idénticos y se convierten en símbolo de dualidad. Así, un par de muñecos, de máquinas de coser, de cámaras de fotografía, trascienden lo cotidiano. "Los objetos son la repetición de los dobles de los dobles. Por lo tanto, no son objetos hechos en serie, sino signos de pertenencia", afirma la artista.

Estos interrogantes la inquietaron desde niña cuando miraba a su hermana gemela y veía su propia apariencia. Sabía que era un ser, único e irrepetible, tenía su propia personalidad y luchaba para ser observada en su individualidad. Gradualmente logró quitar capa a capa su propia piel hasta llegar a lo fundamental y a partir de ahí, en la última década, ha creado obras con las cuales enfatiza en la lucha constante no sólo de los` seres dobles, sino de la mujer y su;' problemática de identidad.

Así`' retoma el concepto de memoria como herramienta del presente. Ana Patricia Palacios aborda este concepto en las pinturas de los últimos cinco años, que mostrará desde el 15 de septiembre en el Museo Sofía Imber de Caracas (Venezuela), donde se apreciarán series como Macetas, en las que expresa su visión sobre la naturaleza muerta; y A puño limpie, donde ahonda en la identidad y en la condición humana, temática desarrollada en obras que llevará en octubre a la Galería Bodin Lebon de París.

ANA PATRICIA PALACIOS • "Identidad de seres dobles", El Tiempo - Cultura

BY PAOLA VILLAMARIN • August 2003 • El tiempo

La artista antioqueña presenta la videoinstalación “Todo lo que parece ser…”, la quinta muestra del ciclo del Premio Luis Caballero.

Es la primera vez que la artista antioqueña Ana Patricia Palacios usa soportes como el video y la fotografía para desarrollar una obra. Lo suyo siempre ha sido la pintura : que más emblemático de su trabajo que esos manchados de un rojo intenso, visceral, que aparecen en sus lienzos.

Este giro dice ha sido natural y corresponde a una necesidad propia de la temática que ha trabajado pro más de seis años: la gemelidad, los seres dobles. En Todo lo que parece ser…, la muestra que presenta en el Premio Luís Caballero, Palacios presenta fotografías de su infancia, junto a su hermana gemela, y de los objetos idénticos que ambas tenían (cámara de fotografía, neceseres y patos de peluche).

“ Quería hablar de esa vivencia doble en lo físico, en los objetos que los seres dobles comparten”. Dice Palacios, que expuso a principios de año en la Galería LatinCollector de Nueva York.

Lo fisiológico

Hizo una pesquisa en las casa de su padre y de su madre y encontró objetos que, incluso, no podía recordar, pero que testimoniaban su condición de gemela. A la hora de tomarles las fotografías, decidió que quería “banalizarlos”. Por eso los ubicó en su taller en fondos blancos salteados de pintura, para evitar que quedaran cargados de un aura especial.

El video que acompaña la nuestra lleva imágenes de las caras de los seres idénticos que se entrecruzan y que producen el rostro de una misma mujer. “Me interesaba hacer énfasis en lo fisiológico, en la piel”, agrega. Son dos videos que se proyectarán lado y lado de la Galería Santa Fe y en medio, resplandecen las fotografías (en transparencias), que están iluminadas desde en interior de sus marcos.

“Mi trabajo se ha ido personalizando. Antes hacia paisajes, pero surgió la necesidad de trabajar la figura humana y con ella algo que fuera más mío”, dice Palacios. Al principio, la temática doble apareció tímidamente en sus pinturas. Incluso, antes de esta muestra, la artista evitaba hablar de lo autobiográfico de su obra. “Me di cuenta de que ya podía revelarlo”, agrega.

A Palacio le preocupa la anécdota, que la exhibición de esas imagines se vea solo como la revelación del universo íntimo de una artista y no como un espacio para reflexionar sobre la identidad de los dobles, que siempre está en tela de juicio; sobre un fenómeno que es, a la vez, “bello y monstruoso”.

ANA PATRICIA PALACIOS • THE NEW YORK ART WORLd

BY LILY FAUST • June 4, 2003

 

Bojaya 1, 2008, Gouache on paper, 16.14x.12.20 in 

Bojaya 1, 2008, Gouache on paper, 16.14x.12.20 in 

In her first solo show in New York, Colombian-born painter Ana Patricia Palacios addresses the theme of identity within the confines of duality. There is a particular autobiographical element here; Ms Palacios is an identical twin. Apparent similitude is a natural topic for this artist, whose examination of such themes is closely bound to her experience as a mirror image of another human being.

 

Palacios gives her canvases an uneven whitewash that leaves parts of the canvas in thin veils of white, while strong white brush stokes remain evident elsewhere. This raw white wash then becomes a background for penciled-in outlines of forms that seem to have been copied onto canvas. The technique of outlining silhouettes, reminiscent of cartoon drawings, infuses a strong graphic presence in these paintings. Then she isolates her subject matter, usually one or two girls, in the center of the white background, while filling in their outlines selectively with a particular shade of blood red darkened with Venetian undertones.

This color, possibly reflecting the visceral communion between human beings, exudes a sense of melancholy reminiscent of Symbolist art. Forms having to do with duality, such as two identical girls, two similar looking boxers, and in some painting Japanese geishas; their hands cozy inside red boxing gloves, suggest a metaphor for the artist’s personal experience. In her Duality series, the girls are dressed in red identical dresses. Yet the gestural brushstrokes and amorphous dye stains, which help fill dresses, become painterly abstractions that help differentiate one twin from the other. The silhouette, a shorthand device for depicting a particular identity, is used for duplication here. The shared outlines of identical form, as in the shared genes of twin sisterhood, do not, however, result in duplicate similarity. It is the details, such as the lighter brown hair of one girl next to the darker shade, or the twisted left ankle of one versus the solidly placed feet of the other, that become important in determining crucial differences in identity through surface appearance.

Penciled-in words and numbers surround the images, houses in grids or scripted on lines that guide the words into a horizontal order. Words such as, “twins, identical, duplicata, copia, repeticion”and hundreds of others, with shared associations of duality and replication in several languages, form a notebook background for the figures while revealing the focus of the artist. In other works important personal dates, such as 1927, the year of Palacios’s mother’s birth, form a chronological basis for artist’s life. Even the exhibition catalogue is prepared with the careful intent to reflect the deceptive (and unique) nature of duplicates. Many of the reproductions in the catalogue, though very similar to the original work in the gallery, are actually reproductions of other. Subtle differences, such as changes in the order of words, differences in numbers and variations in the swirl of red pigments articulate the emphatic and cohesive manner in which the artist conveys the tight words of uniqueness within crushing similarity.

As the title of the exhibition suggest, Coming to blows is about the struggle within the self to define identity. This struggle is given expression in the boxing gloves that the artist paints over the hands of geisha girls, and on the boxing girls from a collection of twenty-five small paintings that depict scenes of struggle. While individual identity is indeed established in many of the painting; the extent of the struggle to find identity is what is so skillfully depicted here.

ANA PATRICIA PALACIOS • Galleries-Downtown, The New Yorker

By Zohar Lazar• March 31, 2003 • THE NEW YORKER

Palacios’s debut show of paintings and drawings is timed to coincide with the women’s Golden Gloves finals, and practically the only spots of color here are the red leather boxing gloves. Twins, geishas, and other battling woman, in various stages of undress, warm up and fight, both in the ring and outside of it. Two stacked grids of smaller works conceal some decorative pieces, but larger paintings, like the somber schoolgirls-legs akimbo, genital erased-and Kahlo-esque kings of her “Duality” series, hold their own against the height pictures.

ANA PATRICIA PALACIOS • "PINTURA A PUÑO LIMPIO"

"Pinturas, A puño limpio", El Tiempo, Cultura

 By PAOLA VILLAMARIN • October 2002
Palacios2.jpg

La artista antioqueña, que acaba de ser seleccionada para concursar en el importante Premio Luis Caballero, presenta una muestra pictórica con la que continúa sus reflexiones sobre el tema de la gemelidad.

Las pinturas de Ana Patricia Palacios tienen una extraña mezcla de candidez y de tragedia. Dos inocentes niñas por una corriente de sangre, dos mujeres adultas vestidas de negro ocultan quizá un secreto que las atormenta y una colegiala se ve confundida entre las miles de palabras que abarcan su cielo.

No es para menos, para Ana Patricia Palacios el fenómeno del doble y la búsqueda de la identidad son tan fuertes como otros temas que tocan los artistas (acaso la muerte o la violencia).

En la Galería Diners, Palacios-que acaba de ser seleccionada para concursar con otros siete artistas por el prestigioso Premio Luis Caballero presenta tres series A punto limpio, Dualidad y Geishas.

La primera es una serie de boxeadoras, casi asexuadas y vestidas como si estuvieran en un día de descanso, que se enfrentan permanentemente. Se las ve niñas, adolescentes y adultas luchando por su identidad, por ser únicas: “Así haya esfuerzos, los gemelos idénticos siempre están metidos en un conflicto de identidad”, dice la artista.

En Dualidad las niñas y las mujeres dobles están enlazadas por “una conexión sanguínea”; agrega Palacios. Por eso el color rojo de estas pinturas se sale de sus vestidos y se pierde en el cuerpo de la otra.

Palacios trabaja con pigmentos naturales y colores básicos. “La pintura es un medio de expresión. Puedo decir que he dejado de pintar, que me he dedicado más al dibujo”, agrega.

“Los gemelos idénticos siempre tienen conflictos de identidad”.

Después de más de diez años de trabajo, esta artista que se la pasa entre París y Bogotá, tiene claro que lo único que le interesa es la economía de elementos y encontrar la esencia de los temas que trate.

Está dedicada al fenómeno del doble desde hace seis años. Durante el 2000 y el 2001, Palacios expuso en la Universidad EAFIT, en Medellín, y en la Galería Diners en Bogotá, una extensa serie sobre el tema. Ahí se insinuaban apenas los personajes de las boxeadoras, mientras que el de las geishas aparece en la actual exposición.

Las geishas llegaron a Palacios por una inequidad estética, pero después la artista de dio cuanta de que ellas constituían u fenómeno cultural de identidad que a ella le interesaba. “Ellas evidencian ese contraste entre su belleza y esa verdad terrible que las persigue : la esclavitud y la ausencia de identidad”, concluye Palacios.

 

2001

Ana Patricia Palacios • "A Puño Limpio"

ANA PATRICIA PALACIOS • March 1 • 2001

Por MARÍA MARGARITA GARCÍA - Ana Patricia Palacios luchó a puño limpio para encontrarse a sí misma, hallar la identidad a partir de la diferencia, sumergirse en el mundo de la dualidad y ahondar en la esencia de la condición humana. Todos estos interrogantes la inquietaban desde niña cuando miraba a su hermana gemela y veía su propia apariencia. Sabía que era un ser único e irrepetible, tenía su propia personalidad y luchaba a puño limpio para que la sociedad la observara en su individualidad y no la mimetizara en otro ser distinto.

Fue a partir de su autobiografía como logró quitar capa a capa su propia piel hasta llegar a la esencia. "Hace un par de años, a través de dibujos de pequeñas boxeadoras y de guantecitos simbólicos, me preocupo por el problema de la identidad al cual me refería en la serie Dualídad, donde hacía énfasis en la lucha constante no sólo de los seres dobles, sino de la mujer y su problemática de identidad"

En su serie A puño limpio, Ana Patricia Palacios crea obras figurativas representadas por dos mujeres que expresan sus inquietudes y sus juegos desde la niñez hasta la edad adulta. Allí los rojos se transforman en símbolo de consanguinidad, que es el que une a los seres dobles. Ana Patricia Palacios alude a un tema vital en el siglo consagrado a la globalización: la identidad. Porque la diferencia es hoy la base de la identidad. Cada país, región y localidad expresa diariamente su propia manera de sentir, de actuar y de pensar. La memoria es la diferencia con la que es posible establecer líneas de lectura que podrían expresar lo heterogéneo y la diversidad cultural.

Mediante el manejo del espacio, el establecimiento del contraste, el aprovechamiento del accidente técnico y haciendo énfasis en la mancha que es la que une a los dos personajes como si se tratara de uno solo, Ana Patricia Palacios ahonda en un tema determinante en el ser humano y en cualquier cultura.

Ahora ha comenzado a trabajar en una serie de bañis tas africanas en las cuales expresa algo de su autobio grafia. "Trato de meterme en los personajes, sobre todo en la forma fisica". Sin embargo, en sus polípticos (siempre múltiplos de dos) se advierte la silueta y la figura lavada que ha sido característica de sus trabajos más recientes.

Sumergida en el mundo de lo simple, la artista tras ciende la cultura contemporánea y cuestiona la globa lización al mismo tiempo que deja ver la tela virgen, las texturas, la cera y las tintas. A través de obras sencillas sigue el brochazo lavado y escueto en el cual la man cha identifica las siluetas en el espacio pictórico carga do de símbolos.

El Juego del poder

Atrapado en el silencio, sumergido en un mundo irreal en el que es posible gritar sin ensordecer a los que están a su alrededor, Nicolás Cárdenas pasa 17 horas diarias. Allí, en su estudio, enfatiza en su interés por la naturaleza, por la ecología, la violencia y tam bién el juego del poder. Estos conceptos los expresa con el mismo rigor con que lija las diferentes maderas,

pega las láminas y enlaza las figuras que a veces se asocian a partes del cuerpo de los felinos.

Sus esculturas abstractas no sólo siguen sus conceptos, sino que son el resultado de un rudo trabajo manual. Sus bocetos se transforman en pequeñas maquetas hasta convertirse en grandes obras tridimensionales con las cuales logra establecer el contraste entre lo liviano y lo pesado, entre el animal agredido y el cazador agresor, entre la batalla del cazador y del cazado, entre la vanidad de aquel que porta una piel y la reacción de los ecologistas que lo señalan.

Allí han surgido sus esculturas colgantes "que hacen alusión a los cuartos de caza donde se advierte el peso de la muerte y a la vez el ego del cazador". Se trata de una gran instalación en la cual el espectador es partícipe en la medida en que se ve reflejado a través de un espejo. "Hay muchas interpretaciones, pero para mí una de ellas es el juego del poder o también el precio de la imagen". Se trata de cabe zas colgantes con las cuales el espectador se siente anonadado, a veces angustiado y aplastado. Con estas obras no sólo apunta a la eco logía sino a la violencia que se vive en Colombia.

A manera de rompecabezas, arma obras que tienen diferentes alternativas de ensamble. "Me expreso de una manera, pero dejo abierta la posibilidad para que la persona pueda interactuar no sólo visual sino fisicamente con la obra". De este modo entra en juego el razonamiento abstracto y además la opción de integrar varias piezas que en apariencia no tienen relación, pero encuentran el equilibrio a través de un punto central. Es precisamente en el equilibrio donde expresa su conocimiento como diseñador industrial y su visión de movimiento. Sus obras en madera surgen "de formas orgánicas y naturales. Tienen que ver con el cuerpo y con el movimiento".

Nicolás Cárdenas ahonda en el mundo de la naturaleza y también en el del ser humano. Con sus obras per mite al espectador preguntarse sobre su propia realidad, pues une las láminas delgadas de madera como si se tratara de la piel de un personaje. Ahora, su obra ha superado la anécdota y la representación de la rea lidad.

Con un buen manejo de la técnica, Nicolás Cárdenas ha creado obras en las cuales se advierte su interés por lo orgánico y lo mecánico, su inquietud por lo individual y lo colectivo, por la globalización y la identidad basada en la diferencia.

2001

Ana Patricia Palacios • Yo Soy Doble / I Am Double'', Arte al Dia

 

                                                                                                                             

ANA PATRICIA PALACIOS • JANUARY 1 • 2001

By FELIPE AGUDELO TENORIO - From the time of the first nightmares, when language was already there to give us support, we man have intuited the existence of an intruder who not only copies us, but also command us. He is not the copy of an image like the one produced by mirrors, portraits or memory; neither is he what genetics pretends to produce with its clones. He is not a duplicate struggling with exactness. He is something more profound and ineffable, since individuality is more powerful than sameness. We are to the existence of a double or the belief therein, which is present in most mythologies. He is considered a source of power and an obligatory requisite for wizards, with doctors and shamans; there is even a whole catalogue of techniques aimed at finding him. On the other hand, he is sometimes regarded as the evidence of an irrefutable evil, a source of terror, or a door opening onto madness. This is because a double is not an other, he is one’s own self; he is not a copy, or an exact resemblance, but rather a magic and psychological identity. The double is myself. I am the double.

I am two who are one. ‘An other’ who is myself and with whom I can. And must, have a legitimate exchange. He dreams and I sleep. I open my eyes and he disappears. He brings consolations for a loneliness that the others (in spit of their love) do not alleviate. I confront the blank pages and the writes. Suddenly, he paints on the blank canvas, and when I return I discover what he has done, using me- that is to say, using his own self, our hand- as instrument. I forget and he remembers. I suffer and he heals me; he takes my pain away. He and I=I. Not two ‘I’s’, not even a divided ‘I’, but rather the merging point of different levels of reality; different strata of conscience that nourish the yearning for oneness, a wish that has to do with the unity with one’s own self. 

                       Bust • 1998

Mystics make reference to a state in which there are no opposites, in which one’s double, where ‘everything’ and ‘nothing’ dissolve into light. To become one with that undeniable and undemonstrable ‘other’ has been man’s longtime dream. I build and he destroys. I exist now and he lives in another time. While I live, he grows accustomed to death. When I die, will he continue to live? Are we the same illusion? The issue of the double nourishes that of individual identity and acquires subtle and deep implications not only in myths and in art, but also in the current ambit of science. A thing, a being, can only be its own self. One may establish equivalencies, deprive a being of hid essence and change him into something else. Interchange is an old trick with men. Identity is a different problem. Something tells us, thousands of years of existence murmur it: an irreducible core exists. In its effort to find different -and, consequently, its own- ways. Contemporary art seeks in the usual themes a source of inspiration and reflection. This is what Ana Patricia Palacios has done in her most recently exhibition, devoting all her amorous sapience as a painter to the exploration of the theme of the double, of identity and duality, She has also tried to warn us about dangers and possibilities that stalk us and her palette, she has accomplished a solid and suggestive exhibit, attuned with the present and, at the same time, with deep roots. Hers is an art that induces us to ponder on unresolved enigmas, on territories of our inner life that are donors of vitals riches. To stand facing the paintings by Ana Patricia is a moving and alarming experience; it implies posing questions in the midst of a great silence. It is also a subtle experience, because she does not impose her point of view: rather, she shows us the panorama –profound and beautiful- of her interrogation.

There are also the roses, so difficult in art due to the fact that they are continuously used. And in spite of this, as we watch them the induce us he think about their reproducible beauty, like sweet wounds, and they remind us, according to poets who are the ones who know them best, of the multiplicity of their copies. For each rose has double that has a double…a rose is all the roses. And still, a rose is unique. This is, perhaps, the way in which the painter understands it, so in spite of everything, she never attempts to produce the identical. She knows that this is an inner quality, and so her images are duplicated with their small and very significant differences.

2000

Ana Patricia Palacios • Trazos y Espejos" • Revista Buen Vivir No. 63

 
artealdia1.jpg
ANA PATRICIA PALACIOS •MAY 3 • 2000

Por ZANDRA QUINTERO OVALLE - Su pintura es imán y enigma. AI callar dice, pero lo hace en unlenguaje cifrado, susurrante y suave que termina por atrapar, o mejor dicho, por seducir la mirada errante sobre la superficie del cuadro.

                                        Duality # 6

Tablero de ajedrez, espacio para la memoria, la interrogación, el juego inteligente, la duda y la investigación rigurosa, la obra de Ana Patricia Palacios constituye hoy por hoy una de las más interesantes y valiosas propuestas de la plástica colombiana contemporánea. Nacida en Medellín y radicada en París desde hace quince años, Ana Patricia no cree tanto en las musas como en el trabajo serio, en la constante investigación formal e intelectual que se construye con la lectura y el estudio, cuestionando a la historia del arte, miran do lo que se pintó y lo que pintan los contemporáneos, devorando museos y galerías. Por eso, para ella la pintura es un oficio que se sustenta en pequeñas conquistas y largas reflexiones.

AI mes de terminar la carrera de artes plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Ana Patricia ya estaba estudiando en París historia del arte y museología en la Escuela del Museo del Louvre. Fue entonces cuando entendió que lo suyo era pintar e ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes de París.

La estancia en esa ciudad se extendió naturalmente y vive allí desde hace tres lustros, donde al principio experimentó una sed insaciable, convirtiéndose en "una devoradora de museos, bibliotecas y galerías, mientras al mismo tiempo pintaba en el taller. Fui atrapada por un remolino extenuante, afortunadamente ahora estoy más sosegada". A pesar de la distancia, nunca ha dejado de exponer en Colombia, consolidándose en el medio con paso firme, además de dar cursos en la Universidad de los Andes.

En el transcurso de quince años de trabajo ha ido descubriendo su lenguaje estético, que hoy por hoy muestra madurez y autenticidad. Trabaja series en las cuales juega con temas que no alcanzan a agotarse, por el contrario, se entrelazan sin cambios bruscos. Las últimas series son "Naturaleza muerta" e "Identidad". En la primera introdujo un concepto diferente dentro de ese género tradicional; en realidad se trataba de transgredirlo. Por eso utiliza temas recurrentes como la maceta invertida y las flores secas, fuertes, llenas de carácter. Objetos que inserta solitarios en el espacio del cuadro, de pronto sobre una cuadrícula o un mapa donde el color puro puede explotar o contenerse en una paleta muy sobria.

En este sentido, Maceta, mapa y autorretrato (1997) es una obra síntesis que reagrupa elementos de series anteriores -la maceta, la cuadrícula, la cartografía- e introduce el tema de la identidad que actualmente trabaja la artista: en lugar de flores, de la maceta surgen tallos con efigies. "Identidad" surge del deseo de abordar la figura humana y del cuestionamiento sobre uno mismo que llevó a Ana Patricia a encontrar en ella y su vida un como modelo de reflexión filosófica y estética. Además, al ser gemela idéntica, la cuestión imponía mayor profundidad: "Estos cuadros son muy míos porque soy yo quien está en ellos. Es pensar el ser que es fenómeno, la identidad doble o hasta triple, la problemática de ese que ves siempre reflejado y que también eres tú". De aquí surge una serie de dibujos que resultaron ser una especie de diario -trascendiendo la memoria anecdótica- que terminó por plasmar en el lienzo. Las figuras, parcas. sin estudio anatómico, escuetas, son más bien presencias.

En su obra la expresión del dibujo es muy marcada, lo mezcla con la pintura y experimenta con técnicas mixtas, incorpora veladuras de cera caliente que aplica sobre la superficie del cuadro. El resultado tiene una carga nostálgica, algo misteriosa. donde uno parece observar a través de un velo que no alcanza a silenciar lo que grita. Es como si Ana Patricia pusiera en juego las fuerzas del yo, de la memoria, de los espejos y el revés para invitarnos a emprender con ella la reflexión por lo esencial.